Každá umělecká epocha má svůj vlastní ikonický směr, umělce a dílo. A existují i přelomové výstavy – jen se o nich téměř nemluví. Což je chyba, protože výstavami začínalo téměř vše důležité: hnutí, galerie, manifesty.
Proto jsme shromáždili příběhy sedmi ikonických výstav, které se konaly za posledních 200 let. A také jsme popsali, proč by bez nich nebyl impresionismus, konceptuální umění, Duchamp, performance a všechno ostatní, co na umění milujeme.
#1 Salon odmítnutých
Dříve se umění vystavovalo v salonech – na výstavách pořádaných uměleckými akademiemi nebo svazy. Salony byly jediným místem, kde mohli umělci vystavovat svá díla – ale dostat se tam bylo tříhvězdičkovým úkolem. Porota se skládala z konzervativních akademiků, kteří odmítali vše, co nevypadalo jako realistická krajina, portrét nebo zátiší.
Tak to bylo až do roku 1863, kdy byla více než polovina umělců, kteří se přihlásili k účasti na Pařížském salonu, odmítnuta. Stěžovali si na to Napoleonovi III. a ten odmítnutým umělcům povolil organizovat vlastní salon, aby je mohli hodnotit návštěvníci, a nikoli porota.
Na alternativní výstavě se představili Manet, Courbe, Whistler, Cera, Pissarro a Cézanne. Návštěvníci si tehdy z jejich děl (většinou) dělali legraci – to, co viděli, byl naprostý opak toho, na co byli zvyklí. Postupem času se však umění „odmítnutých“ umělců stalo novou normou.
PROČ JE TO DŮLEŽITÉ: Salon odmítnutých byl počátkem moderního umění – kdyby ho nebylo, stále bychom malovali bitevní scény a ovoce ve vázách (a jen ty). Antisalon v roce 1863 byl první nezávislou výstavou a odstartoval vážné změny v umění. Po ní například umělci začali opouštět přísná pravidla a žánrový systém, aby byli kreativnější. Tak se zrodil impresionismus, první neakademický směr v umění.
#2 Výstava Společnosti nezávislých umělců
Výstava Společnosti nezávislých umělců v New Yorku byla obdobou Salonu odmítnutých, jen o 50 let později (a pořádali ji sami umělci, nikoli vláda). Konala se rovněž v protikladu k oficiálnímu salonu a jejím cílem bylo rovněž představit avantgardní umění. Rozdíl byl v tom, že společnost byla na tuto výstavu již připravena. Lidé dvacátého století byli věrnější novinkám v umění a autorita akademie byla oslabena. Navíc vstup USA do první světové války (k němuž došlo několik dní před zahájením výstavy) naladil lidi k boji za svobodu a demokracii a Společnost nezávislých umělců dělala právě to, jen v oblasti umění.
Každý, kdo zaplatil 5 dolarů měsíčně „Společnosti“, se mohl zúčastnit výstavy – neexistovala žádná pravidla ani výběr. Neexistovala ani žádná kurátorská koncepce – díla byla řazena abecedně, aby se veřejnosti nevnucovala žádná vize. Výstavní výbor se stavěl do pozice co nejotevřenějšího a nestranného, a skutečně tomu tak bylo – dokud jim neznámý umělec R. Mutt neposlal pisoár. Výbor odmítl dílo do výstavy zařadit a uchýlil se tak k cenzuře, kterou sám kritizoval.
R. Mutt ve skutečnosti neexistoval a pisoár nebyl ani tak dílem jako spíše provokací. Uspořádal ji Marcel Duchamp, který byl také členem komitétu. Chtěl vyzkoušet pravdivost zásad svých kolegů a je jasné, že v této zkoušce neuspěli.
Fontána od Marcela Duchampa, kterou odmítla Společnost nezávislých umělců. Zdroj: artsper.com
PROČ JE TO DŮLEŽITÉ: Výstava zrušila nadvládu žánrů, porot a akademické obce, což znamená, že pro umění udělala mnoho dobrého. Ale to všechno se stalo už dříve. Nejdůležitější je příběh pisoáru. Jednak nastínil tehdejší hranice umění a ukázal, co většina skutečně považuje za umění a co ne. Za druhé, příběh pisoáru (tedy „Fontány“) byl počátkem historie ready-made, konceptuálního uměleckého směru, který říká, že jakýkoli předmět může být uměním.
#3 Výstava „degenerativního umění“
Ve 20. letech 20. století se Berlín stal světovým centrem umění – byla to doba Bauhausu, kabaretu a němých expresionistických filmů. Když se však k moci dostal Hitler, umění bylo vyčištěno. Doslova vše, co neodpovídalo tradičním normám, tedy jakákoli avantgardní díla, bylo prodáno do zahraničí nebo zničeno.
Během těchto čistek se Hitler rozhodl uspořádat výstavu „degenerativního“ (čti: moderního) umění, aby ho zesměšnil a ukázal, jak se to nemá dělat. Výstava zahrnovala díla Chagalla, Van Gogha, Matisse, Archipenka, Kandinského a dalších. Aby to bylo ještě dramatičtější, byly obrazy urážlivě podepsány a vedle nich byly pro srovnání zavěšeny kresby vytvořené pacienty psychiatrických léčeben.
Výstava „degenerovaného umění“ v roce 1937. Zdroj: theartifactuals.com
Současně s výstavou „degenerativního umění“ se téměř ve vedlejší budově konala Velká německá výstava umění, na které byla vystavena ideologicky správná díla. Tímto způsobem chtěla strana hrát na kontrasty, ale nepodařilo se jí to. Na „špatnou“ výstavu přišlo dvakrát více lidí, a většinou ne pro smích. Němci pochopili, že je to jejich poslední příležitost vidět avantgardní umění.
PROČ JE TO DŮLEŽITÉ: Tato výstava se na rozdíl od všech ostatních ve výběru zabývá degradací, nikoli vývojem. Měla zničit avantgardní umění a ponížit jeho autory, ale nestalo se tak. Naopak výstava ukázala světu, jaký nacistický režim skutečně byl. Po výstavě se v uměleckých kruzích v Německu i v dalších zemích zformovala opozice a omezování umělecké svobody bylo s novou silou odsouzeno.
#4 Mezinárodní výstava surrealismu
Surrealismus se objevil ve 20. letech 20. století a po několika letech práce v tomto žánru začali umělci ukazovat veřejnosti, co vytvořili. Například v roce 1925 byla v Paříži otevřena Galerie Surréaliste, kde často vystavovali umělci důležití pro toto hnutí. Mezinárodní výstava surrealismu v roce 1938 však byla největší svého druhu. Jejími kurátory byli André Breton a Paul Éluard, s koncepcí prostoru pomohl Wolfgang Paalen a kulisy vytvořil Marcel Duchamp.
Surrealismus je o nevědomí, halucinacích a magii, takže výstava byla přesně taková. U vchodu do galerie stálo břečťanem porostlé auto s figurínami žraloků na sedadlech spolujezdců. Ze stropu výstavní síně visely pytle s (údajným) uhlím a v rozích místnosti byly umístěny postele. Tím však imerzivní zážitek nekončil – galerií se rozléhaly zvuky smíchu, pláče a vojenského pochodu. Nebyla zde elektřina, takže návštěvníci dostali baterky. Umělci předváděli ducha hnutí, nejen obrazy.
Mezinárodní výstava surrealismu (1938), Paříž. Zdroj: koregos.org
Výstava z roku 1938 byla krásným završením surrealismu. Po druhé světové válce se hnutí rozdělilo na menší směry – neodadaismus, moderní realismus a Fluxus.
PROČ JE TO DŮLEŽITÉ: Autoři Mezinárodní výstavy surrealismu ukázali, že je možné být odvážný nejen na plátně, ale i v galerijním prostoru. Tento prostor není jen pozadím (i když je zcela bílý). Může pracovat pro myšlenku výstavy a stát se samostatným uměleckým objektem – jako v případě surrealistů a jejich experimentů s designem, světlem a uspořádáním děl. Breton a Éluard navíc spolu s katalogem výstavy vydali Slovník surrealismu – knihu s hlavními termíny, technikami a pojmy tohoto hnutí.
#5 The Family of Man
Po druhé světové válce se svět cítil rozbitý a rozdělený. Aby tento pocit překonal, vytvořil kurátor MoMA Edward Steichen největší fotografickou výstavu v historii: shromáždil více než 500 fotografií vytvořených 273 umělci z 68 zemí a rozvezl je po celém světě.
Fotografie se týkaly témat, která jsou známá každému: láska, rodina, práce, volný čas, dospívání, smrt. Steichen tím chtěl říci, že naše zkušenosti jsou univerzální a že jsme všichni lidé, takže máme více společného než rozdílného. Byl to jeho manifest za mír a solidaritu.
Výstava The Family of Man (1955), New York. Zdroj: fkmagazine.lv
Výstava The Family of Man je spíše koláží než skupinovou výstavou. Fotografie tak působily ve vzájemném dialogu – společně vytvořily kolektivní portrét lidstva v poválečném období. Jednotlivě by díla neměla stejný účinek.
PROČ JE TO DŮLEŽITÉ: UNESCO zařadilo výstavu do registru Paměť světa, což o jejím významu hodně vypovídá. Rodina člověka poskytla lidem pocit sounáležitosti, když ho opravdu potřebovali. Výstava také přinesla do muzeí a galerií fotožurnalistiku – od té doby začali kurátoři zařazovat dokumentární díla do svých projektů.
#6 9th Street Show
Ve 40. letech 20. století se začala formovat Newyorská škola umění. Tvořili ji umělci, kteří měli málo peněz, dělili se o nájem ateliérového klubu a vytvářeli undergroundové umění, kterému mnoho lidí nerozumělo. V New Yorku byli dobře známí, ale skutečného uznání, prodeje nebo pozvání na výstavy se jim dostalo až na 9th Street Show v roce 1951.
Výstavu zorganizovali velmi rychle a trvala jen krátce – tři týdny. Ale toto období stačilo na to, aby se umělecký svět začal zajímat o členy newyorské školy a jejich abstraktní umění. Do středu pozornosti se dostalo mnoho žen – malířky Lee Krasner, Joan Mitchell, Elaine de Kooning, Grace Hartigan se staly známými po 9th Street Show. Dříve se to stávalo jen zřídka – ve světě umění vždy dominovali muži.
Malířky Joan Mitchell, Helen Frankenthaler a Grace Hartigan, které se zúčastnily 9th Street Show. Zdroj: stirworld.com
PROČ JE TO DŮLEŽITÉ: Výstava 9th Street Show sice neprodala žádné dílo, ale to nebylo podstatné. Důležitým momentem bylo, že práci newyorských umělců bylo dáno jméno a definice. Tímto způsobem vznikl abstraktní expresionismus, významný směr v americkém umění, který přesunul světové umělecké centrum z Paříže do New Yorku.
#7 Sensation
Na výstavě Sensation byly spojeny nejodvážnější práce mladých britských umělců, kteří později zahájili hnutí známé jako YBAs (Young British Artists). Na této výstavě byla představena kontroverzní díla, včetně plastiky těla žraloka, sochy vyrobené z krve, sloního trusu a portrétu vražedkyně Myry Hindley složeného z otisků dětských rukou. Výstava se konala v Královské akademii umění v Londýně a stala se ještě smělejší a ironičtější díky svému prostředí.
Sensation ukázala, že umění nemusí být vždy příjemné a krásné. Skrze kritiku, skandály, několik pošramocených obrazů a odchody některých umělců Sensation ukázala, že umění může být odporné, děsivé a těžké a může odrážet realitu takovou, jaká skutečně je – neestetická a nepolíbená růžovou barvou. Po Sensation se současné umění dostalo do prostoru, který dříve zaplňovala klasická umělecká muzea a galerie.
Výstava Sensation (1997), Londýn. Zdroj: widewalls.ch
PROČ JE TO DŮLEŽITÉ: Umění nemusí být vždy chudé a svlečené. Může být komerční – Sensation to dokazuje. Za výstavou stojí Charles Saatchi, zakladatel obrovské reklamní společnosti Saatchi & Saatchi (sběratel a galerista v jedné osobě). Dobré PR pomohlo výstavě stát se senzací – a to nejen na úrovni názvu. A komerční myšlení Saatchi předal umělcům YBA: nepovažovali za nízké propagovat své umění. Damien Hirst proto otevřel uměleckou restauraci Pharmacy; Tracey Emin a Sarah Lucas obchod s uměním The Shop.